Le batteur et compositeur contemporain Joe Sturges a publié son premier EP, Awareness, le 2 avril. De l’EP, précise-t-il, le principal objectif que je voulais faire avec ce travail était de révéler, en toute honnêteté, que je suis en tant que compositeur, acteur et individu.
Sturges précise que la conscience est motivée par la notion de vivre et d’apprécier le jour d’aujourd’hui. Une difficulté à laquelle je suis confronté ce jour-là serait de me souvenir beaucoup de choses qui se sont produites, qui devraient se produire ou qui ont pu se produire, et en composant ces morceaux, j’ai eu l’intention de créer et de laisser tous ces souvenirs et ces idées aux contes.
Né et élevé à Madrid dans une maison anglo-espagnole, Joe Sturges a découvert sa passion pour la batterie à un très jeune âge. Devenu autodidacte et exceptionnellement discipliné, Sturges a réussi à équilibrer ses études de premier cycle en communications audiovisuelles avec une pratique constante et des performances à différents endroits et des jam sessions à travers le pays.
Après avoir passé toute sa carrière musicale en tant que célébrité, Sturges a accepté la vérité qu’il était temps de commencer à raconter ses propres histoires, de démontrer un peu que Joe Sturges est à travers ses chansons.
Après avoir passé beaucoup de temps à pratiquer, Sturges a développé un design qui a pris à partir d’un vaste éventail de genres. Jazz, hip hop, musique classique, OST et bien d’autres, il a pratiqué certains types de chansons qui se sentaient exceptionnelles et s’inspiraient autant que possible de tout cela.
La prise de conscience est une bonne illustration de toutes ces diverses influences. Tout en utilisant un son de jazz cristallin pour cela, les mélodies et les harmonies tirent un effet significatif de compositeurs romantiques et impressionnistes, comme Chopin, Beethoven, Liszt ou Debussy, et de nouveaux compositeurs qui incluent un nouveau point de vue pour cette méthode de composition, y compris Ryuichi. Sakamoto ou même Joe Hisaishi.
Tout en ayant quelques solos, les morceaux sont pour la plupart brefs, avec un scénario précis qui leur est attaché, où chaque note consiste en un objectif.
Joe a eu la gentillesse de nous parler de ses débuts avec la batterie et le maquillage, ainsi que la procédure de documentation et de sortie de son premier EP.
Bonjour Joe, Merci d’avoir pris le temps de réaliser une interview avec Drumming Review!
Merci!
Vous souvenez-vous de votre premier souvenir de batterie? Quand avez-vous commencé à jouer avec cet outil tout en écrivant vous-même de la musique?
Apparemment, ma toute première rencontre avec la batterie a eu lieu à environ 4 ans, une fois que j’ai reçu mon premier kit de batterie en cadeau de Noël, et je l’ai brisé après une semaine, mais je ne me souviens de rien, ma famille me le rappelle constamment. Les premiers souvenirs auxquels j’ai pu penser sont les tables de restaurant qui claquent et celles-ci chaque fois que l’audio est en arrière-plan, essayant d’imiter les rythmes et rendant ma famille folle.
J’ai commencé à devenir sérieux et à pratiquer le kit entre 12 et 13 ans, et c’est à ce moment-là que j’ai commencé à pratiquer une heure ou même quelques heures par jour. Pour ce qui est de l’écrire, il n’y a pas si longtemps. Peut-être quatre décennies en arrière, une fois que j’ai eu 20 ans, après avoir étudié un peu le solfège, le piano et de nombreuses années de batterie, je pensais que c’était le moment idéal pour moi de commencer à composer mes propres chansons, j’ai ressenti le besoin de commencer à partager mon propres idées.
Quels sont quelques-uns des plus grands qui vous ont inspiré en tant que musicien, batteur et compositeur?
J’écoute généralement beaucoup de Chopin, Debussy ou Ryuichi Sakamoto pour m’inspirer.Divers compositeurs auxquels je me sens assez attaché, j’ai trouvé sur différents sites Web, tels que des films et des jeux vidéo, ainsi que des compositeurs tels que Howard Shore, Koji Kondo, ainsi que Joe Hisaishi.
En tant que batteurs, j’apparais constamment à Mark Guiliana, Nate Smith, Steve Jordan ou Ian Chang, je crois qu’ils sont des explorateurs de cet outil, le forçant dans de nouvelles directions.
À quoi ressemble la procédure de composition? Pouvez-vous commencer au piano ou travailler avec différents musiciens tout au long de la pratique? Ou peut-être d’une autre manière?
Je commence par le piano, oui. En général, je fais vraiment tout le processus de manière indépendante, puis je fais appel aux artistes pour mettre à jour leurs composants ou se déplacer sur les segments. C’est une procédure assez simple, même si je n’arrive toujours pas à déchiffrer le code sur la façon de le faire de manière économique.
Cela me prend parfois des semaines et d’autres parfois des mois pour terminer une composition. Une chose que je dois toujours comprendre est que la signification ou pourquoi j’écris cette chanson en particulier, afin de la compléter. Dois-je ne pas savoir pourquoi je l’écris, alors je ne peux pas le terminer. Cependant, à part cela, son piano tout le chemin avant que l’arrangement général ne soit terminé, puis je peaufine l’arrangement et les pièces uniques.
Comment s’est déroulée la publication de votre premier EP Awareness? Y a-t-il des moments qui vous ont marqué pendant la procédure d’écriture / suivi / mixage? Jazztone Studios a l’air (et sonne) incroyable en fonction du film de Summer et du reste de l’EP.
La procédure était assez humiliante et édifiante pour moi personnellement. Avant de composer l’EP, sortir et enregistrer ma musique me paraissait assez lointain, mais il ne s’agissait que de mettre l’instant présent. Les choses commencent à prendre forme et toutes les chansons se rassemblent.
Les répétitions m’ont vraiment marqué personnellement. Bien qu’être au studio et entendre les mixages initiaux et les maîtres de ces morceaux semblait surréaliste, répéter les chansons après les avoir entendues via mon PC, ou les regarder sur papier, puis les entendre avec de vrais instruments et de vraies personnes était définitivement un moment essentiel. .
Jazztone Studios est un endroit incroyable, Sebastian Laverde est un homme très gentil, un copain fantastique à moi, cela rend également cette distance assez inspirante à exploiter.
Fermer un cerisier a attiré mon attention instantanément. J’adore la section à l’unisson qui profite des syncopes de 5. Y a-t-il un indice que vous pouvez fournir aux batteurs émergents pour comprendre et apprendre des compteurs compliqués?
Je crois que tout est question de la mélodie et de la connexion à l’audio. La musique occidentale est basée autour de quatre la plupart du temps, mais ce n’est que parce qu’on nous donne constamment des airs autour de ce mètre, nous nous sentons si à l’aise à l’intérieur.
Tenter de découvrir diverses cultures, leurs chansons et la raison pour laquelle elles composent en 7, 5, 11, etc., aide lorsque vous essayez d’intérioriser différents blocages, mais en fin de compte, pour moi, il ne s’agit que de le raconter à la mélodie, aux chansons et à l’image plus grande. Plutôt que de considérer le rythme cardiaque ou les subdivisions, j’essaie de le faire paraître naturel, et les choses viennent beaucoup plus facilement par la suite.
Comment était-ce d’étudier au Berklee College of Music? Je comprends que beaucoup de batteurs rêvent d’assister (je sais que je l’ai fait à un moment donné)
J’ai adoré l’expérience et je dépense beaucoup pour les amis que j’ai laissés là-bas. Ce n’était que 1 an de recherche universitaire, je ne peux pas me rapporter aux quatre décennies et plus que les gens font si dans un premier cycle audio, mais pour moi cette année, c’était à propos des amis que je me suis fait, ainsi que de l’audio et des leçons que je ‘ai sorti d’eux. La musique est une question de culture, de communication et de partage, et chaque fois que vous êtes exactement dans le même bâtiment que vous créez avec des individus de partout sur la planète, vous comprenez beaucoup.
Il est vrai que je pense que les universités audio et les universités d’art sont généralement surestimées. Ils sont vraiment coûteux pour de nombreuses occasions, et une énorme somme de progrès pour les artistes découle de la pratique introspective et du temps passé par vous-même. Les gens pensent aujourd’hui que les écoles supérieures d’art ou les écoles d’art vous offrent un raccourci vers le développement privé dans de nombreuses occasions, et ce n’est certainement pas correct.
Êtes-vous actuellement en train de travailler sur de la nouvelle musique aujourd’hui? Que voyez-vous se produire dans un avenir pas trop lointain?
Oui! Je travaille maintenant sur quelques morceaux individuels que je sortirai probablement l’automne prochain. Je suis vraiment satisfait de la façon dont ils se déroulent et je suis impatient de savoir ce qu’ils deviendront dans les mois à venir.
En ce qui concerne l’avenir, qui sait aujourd’hui en fait, ce qui est en effet dans l’atmosphère est quelque peu déconcertant à considérer pendant longtemps. À partir de ce moment, je me concentre sur la création autant que je peux, et j’espère que les choses commenceront à se mettre en place.
